Imágenes que se han convertido en un gran avance en la construcción de la trama, la calidad del rodaje y los efectos especiales.
1. The Jazz Singer
- Estados Unidos, 1927.
- Musical, drama, comedia.
- Duración: 88 minutos.
- IMDb: 6,5.
Jackie Rabinowitz sueña con tocar jazz. Pero proviene de una familia de coristas de una iglesia judía, y su familia está en contra de su carrera musical. Una estrella de la comedia enamorada de él ayuda al héroe a salir adelante.
Esta imagen marcó el comienzo de la era del cine sonoro. Anteriormente, las películas usaban solo insertos con números musicales o sonidos de fondo. En “The Jazz Singer” por primera vez hubo escenas con el discurso de los actores. En total, duran unos dos minutos, sin contar algunas canciones. Sin embargo, a partir de este momento, el cine mudo se está convirtiendo poco a poco en una cosa del pasado.
Irónicamente, la primera línea dicha en esta cinta fue “Espera, aún no has escuchado nada”.
2. Blancanieves y los siete enanitos
- Estados Unidos, 1937.
- Cuento de hadas, musical.
- Duración: 83 minutos.
- IMDb: 7,6.
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La adaptación cinematográfica del famoso cuento de hadas de Walt Disney Studios habla de la princesa Blancanieves, que quería ser asesinada por su malvada madrastra. La niña tuvo que huir al bosque, donde fue resguardada por siete gnomos que trabajaban en una mina de diamantes.
A veces, esta caricatura se llama la primera imagen animada de larga duración. De hecho, allá por 1917, el animador argentino Quirino Cristiani creó la película satírica “El Apóstol” con una duración de unos 70 minutos. Sin embargo, esto no resta valor a los méritos de “Blancanieves”. Después de todo, demostró que los niños pueden sentarse en el cine durante casi una hora y media.
Además, la caricatura fue un gran avance técnico: el estudio de Disney utilizó tecnologías innovadoras para hacer que los personajes de la caricatura se pareciera lo más posible a la gente real. Antes de esto, cada movimiento del héroe constaba de diez fotogramas intermedios. En “Blancanieves”, el número se duplicó y la imagen se volvió más suave. Además, en aras del realismo, se añadieron suspiros, columpios y otros pequeños gestos.
Enormes inversiones (alrededor de un millón y medio de dólares) se pagaron con intereses. La imagen “Blancanieves y los siete enanitos” no solo ayudó a fortalecer la posición financiera de la empresa, sino que también allanó el camino para otros dibujos animados de larga duración que luego hicieron famoso a Disney.
3. Ciudadano Kane
- Estados Unidos, 1941.
- Drama.
- Duración: 119 minutos.
- IMDb: 8,3.
El magnate de los periódicos Charles Foster Kane muere en su casa, pronunciando la palabra rosebud (“capullo de rosa”). La muerte de un personaje tan famoso provoca una fuerte reacción del público, y el periodista Thompson tiene la tarea de indagar en su pasado.
El director Orson Welles es otro experimentador en el mundo del cine. Su Citizen Kane marcó el comienzo de una era de películas independientes hechas de acuerdo con la visión del director, sin la influencia de los productores de estudio en el proceso creativo.
Igualmente importante, en esta imagen, Wells se alejó de la forma lineal tradicional de narración. Citizen Kane está lleno de flashbacks que revelan poco a poco el pasado del protagonista. Sin esta película, ciertamente no habría existido el trabajo de Quentin Tarantino, Martin Scorsese y muchos otros directores famosos.
4. Siete samuráis
- Japón, 1954
- Teatro, aventura.
- Duración: 207 minutos.
- IMDb: 8,6.
Japón del siglo XVI. Para proteger el pueblo de las constantes incursiones de una banda de merodeadores, los habitantes contratan a un samurái experimentado. Reúne un equipo de siete personas y ayuda a todos a luchar contra un enemigo común.
La película clásica de Akira Kurosawa se convirtió en el prototipo de muchas películas de acción. Se pueden ver ecos en la nueva versión explícita de The Magnificent Seven y otros westerns, así como en Star Wars. La cosa es que Kurosawa tocó temas que son relevantes en cada momento.
Además, el director creó un esquema de referencia para construir una trama y revelar personajes, que todavía se usa en la actualidad. En Seven Samurai, los personajes importantes se introducen gradualmente, luego se muestran sus conflictos e intentos de encontrar un lenguaje común. Los héroes se comunican con representantes de otra clase, se preparan para la batalla principal y, finalmente, se enfrentan a los villanos.
Se pueden encontrar referencias a esta secuencia de eventos en docenas de películas, desde la película soviética Only Old Men Go to Battle hasta The Avengers de Marvel.
5. Psycho
- Estados Unidos, 1960.
- Suspenso, detectives.
- Duración: 109 minutos.
- IMDb: 8,5.
Marion Crane roba dinero espontáneamente en el trabajo y se va de la ciudad. En el camino, se detiene en un motel. Está dirigido por Norman Bates, un joven agradable que tiene una relación muy extraña con su madre.
Alfred Hitchcock es llamado el maestro del suspenso por una razón . Psycho allanó el camino para una gran cantidad de películas de terror y suspenso donde la atmósfera oscura se construye con primeros planos, sombras y cámara lenta. La influencia de la película se puede sentir tanto en The Shining de Stanley Kubrick como en Solstice de Ari Astaire.
Además, “Psycho” es considerado uno de los progenitores de las tramas cinematográficas con un giro brusco al final, así como el precursor de las películas slasher, un subgénero de las películas de terror en el que un maníaco mata a adolescentes.
6. 8 y Medio
- Italia, Francia, 1963
- Drama.
- Duración: 138 minutos.
- IMDb: 8,0.
El director Guido Anselmi planea rodar una nueva película. Todo está listo para comenzar a trabajar, pero el autor comprende que está decepcionado de la vida y se encuentra en un callejón sin salida creativo. Guido no puede pensar en la imagen futura de ninguna manera y, a menudo, se sumerge en fantasías.
La película de culto de Federico Fellini es una verdadera oda a la imaginación, destruyendo las facetas de la realidad. El director fue uno de los primeros en alejarse de una historia lógica y consistente, permitiendo que el espectador decida qué sucede realmente a partir de lo que se muestra en la pantalla.
Esta estructura le da al autor más posibilidades de autoexpresión. Gracias a esta película, muchas pinturas de David Lynch, Darren Aronofsky y otros directores independientes amantes del surrealismo y “la lógica del sueño” vieron la luz.
7. 2001: Una odisea en el espacio
- Estados Unidos, Reino Unido, 1968.
- Thriller de ciencia ficción.
- Duración: 162 minutos.
- IMDb: 8,3.
En tiempos prehistóricos, un monolito negro convierte a los Australopithecus en humanos. Millones de años después, la humanidad encuentra la misma piedra en la Luna, enviando una poderosa señal a algún lugar cercano a Júpiter. Ahí es donde va el barco de investigación Discovery. Sin embargo, la computadora de a bordo HAL 9000 tiene sus propias instrucciones.
La película de Stanley Kubrick fue un gran avance en términos de efectos visuales. El director trabajó muy escrupulosamente cada detalle, incluso utilizó maquetas de barcos de diferentes tamaños en el rodaje. En la escena final, cuando el héroe tiene una experiencia psicodélica durante el vuelo, se utilizó una nueva técnica por primera vez: los fotogramas se dispararon a través de una rendija estrecha en el obturador de la lente y luego se pegaron, creando una imagen deformada.
Además, Stanley Kubrick estrenó una película completamente atípica para la ciencia ficción. Esta es una película filosófica con una trama ambigua que los espectadores pueden interpretar a su manera. Las citas de “A Space Odyssey” se pueden ver en el cine hasta el día de hoy. Por ejemplo, en Interestelar o la película A las estrellas de 2019.
8. Tiburón
- Estados Unidos, 1975.
- Terror, suspenso.
- Duración: 124 minutos.
- IMDb: 8,0.
El sheriff de la policía local descubre en la orilla los restos de una niña que fue despedazada por un enorme tiburón blanco. Cada día crece el número de víctimas, pero la dirección de la ciudad no se atreve a avisar a los vecinos del peligro. Luego, el sheriff se une a un cazador de tiburones y un oceanólogo. Juntos quieren atrapar al monstruo.
Steven Spielberg no fue el primero en hacer una película espeluznante de animales. Sí, y se crearon efectos especiales geniales antes que él. Pero aún así, fue esta cinta la que se convirtió en el primer verdadero éxito de taquilla. Con un presupuesto de solo 7 millones en la taquilla estadounidense, ganó más de 200. Tras el estreno de Tiburón, los éxitos de taquilla se destacaron como un género independiente: estas películas, como estaba previsto, deberían causar revuelo y recaudar una enorme taquilla. .
Sin embargo, el mérito de Spielberg no está solo en esto. El tráiler fue una auténtica revolución. Gracias a la versión corta de la imagen, los espectadores potenciales pudieron sentir lo que les espera en la película.
9. Star Wars – Episodio 4
- Estados Unidos, 1977.
- Fantasía, suspenso, aventura.
- Duración: 121 minutos.
- IMDb: 8,6.
Una galaxia distante sufre bajo el yugo de un emperador cruel y su socio Darth Vader. La resistencia está casi rota, pero los rebeldes tienen una nueva esperanza: un joven Jedi llamado Luke Skywalker.
El aspirante a director George Lucas recopiló muchas tramas tradicionales en la película. Hay ecos de películas de Kurosawa, westerns, cómics e incluso el viaje del héroe.
Al mismo tiempo, la película se presenta en forma de espectacular blockbuster.
Lucas inventó nuevas técnicas de disparo, por ejemplo, control de movimiento, repitiendo el movimiento de la cámara a lo largo de la misma trayectoria. Esto hizo que las escenas con efectos de computadora fueran más dinámicas.
El resultado son espectaculares batallas de naves espaciales, peleas con sables de luz y una gran cantidad de extraños robots.
Otro mérito de Star Wars es que hizo la ficción más fácil y comprensible para niños y adolescentes.
10. Cazafantasmas
- Estados Unidos, 1984
- Comedia, fantasía.
- Duración: 105 minutos.
- IMDb: 7,8.
Los neoyorquinos se encuentran cada vez más con fantasmas. Es por eso que los científicos entusiastas comienzan a luchar contra la amenaza sobrenatural.
Ghostbusters es una combinación perfecta de comedia, fantasía e incluso terror, y la acción avanza muy rápido. Esto trajo éxito y permitió atraer a los espectadores a cines vacíos en el verano.
Entonces, 10 años después de Tiburón, apareció el primer “éxito de taquilla de verano”, es decir, una película ligera y positiva con personajes brillantes, una trama dinámica y un mar de humor.
11. Pulp fiction
- Estados Unidos, 1994.
- Crimen, comedia.
- Duración: 154 minutos.
- IMDb: 8,9.
Vincent Vega y Jules Winfield discuten asuntos personales, diferencias culturales e intervención divina. Y al mismo tiempo llevan a cabo las instrucciones de su jefe Marsellus Wallace. Al mismo tiempo, el boxeador Butch se encuentra con el propio jefe de la mafia, tratando de escapar de un partido amañado.
El segundo trabajo de dirección de Quentin Tarantino es un ejemplo perfecto del cine posmoderno. Una trama bastante simple se presenta de forma no lineal, y los temas criminales se mezclan con numerosos chistes. Pero lo más importante, la película está literalmente llena de citas y referencias al cine clásico.
El caso es que en su juventud, Tarantino trabajó en un videoclub. Habiendo decidido dedicarse a la dirección, simplemente transfirió a las pantallas todo lo que amaba. Después de él, esta técnica se hizo muy popular, recuerda al menos la serie de televisión “Cosas muy extrañas”.
12. Toy Story
- Estados Unidos, 1995
- Comedia, aventura.
- Duración: 81 minutos.
- IMDb: 8,3.
Los juguetes de Andy Davis cobran vida cuando se va. El favorito del niño siempre ha sido el vaquero mecánico Woody. Pero ahora el astronauta de moda Buzz Lightyear ha entrado en la habitación y Woody tiene mucho de qué preocuparse.
El lanzamiento de Toy Story en 1995 revolucionó la animación. La película de Pixar fue la primera caricatura en 3D creada íntegramente en una computadora.
Además, Pixar ha cambiado el enfoque del contenido. Personajes completamente atípicos demostraron que se puede prescindir de las princesas y canciones habituales de Disney en los largometrajes. La trama de “Toy Story” es interesante tanto para adultos como para niños. Fue esta imagen la que se convirtió en el presagio de Shrek, Ice Age y Zootopia.
13. Matrix
- Estados Unidos, Australia, 1999.
- Fantasía, acción.
- Duración: 136 minutos.
- IMDb: 8,7.
Thomas Anderson lleva una doble vida. Durante el día trabaja en la oficina más común y por la noche se convierte en un hacker legendario llamado Neo. Pero un día, el héroe se entera de que todo el mundo familiar es solo una simulación por computadora. Es Thomas quien se convertirá en el elegido que salvará a las personas del poder de las máquinas.
La película de las hermanas Wachowski contiene tramas ciberpunk clásicas: dudas sobre la realidad del mundo, el declive de la sociedad en el contexto del desarrollo tecnológico y mucho más. Sin embargo, The Matrix logró combinarlos con acción genial y artes marciales.
La principal ventaja de la imagen fue el disparo. Los Wachowski mejoraron y popularizaron la tecnología del tiempo bala, que permitía que la cámara pareciera volar alrededor de los actores congelados durante la pelea. Después del estreno de la película, a menudo se utilizaron escenas similares en los éxitos de taquilla.
14. Avatar
- Estados Unidos, 2009
- Ciencia ficción, acción, aventura.
- Duración: 162 minutos.
- IMDb: 7,8.
Jake Sully es un ex marine en silla de ruedas. En lugar de su hermano, termina en el planeta Pandora, donde los terrícolas extraen un mineral valioso. Jake aprende a transferir su conciencia a un avatar, una criatura artificial que se parece a los Na’vi locales. Pero las acciones de las personas se convierten en un desastre.
Hasta el lanzamiento de Avengers: Endgame, esta película de James Cameron siguió siendo el éxito de taquilla más taquillero de la historia. Y esto es bastante lógico. En primer lugar, Cameron desarrolló la tecnología 3D y la audiencia pareció caer en un planeta ficticio.
Y en segundo lugar, fue uno de los primeros en crear una animación facial tan realista en una computadora. Durante la filmación, el director vio en tiempo real cómo se verían los personajes después del procesamiento del software. Esto hizo posible combinar emociones humanas vivas y rostros de extraterrestres. Ahora, esta tecnología se usa a menudo en películas de ciencia ficción.